1、畫面很美，通俗的使用大量白雪充斥畫面的技巧，營造雪白色帶來的乾淨、明亮感，再以劇情內容作為一種反差（對比）。2、鏡頭使用細膩，配合不同劇情所使用不同的移動方式，讓畫面能根據鏡頭移動所帶來的心理反應，營造導演所想要的心理壓力。例如，鋪陳、場景建構時多固定鏡位，並以廣角捕捉場景的完整細節，尤其是在雪地的場景，在告知觀眾場景的同時也帶入大量白色的視覺感受。另外，在主角較危險、緊張時，改採手持鏡頭，並多以中景、特寫為主，讓觀眾也感受到主要的緊迫情緒。
3、作為英文片名的「In Order of Disappearance」在片尾的演員名單開了小玩笑，所有演員的名字都同時出現，散落在螢幕上，而消失的順序正是該角色在片中死亡的順序。
4、劇本簡單，沒有帶出其他問題。設定一位一心要復仇的父親，一路殺到底，正巧碰上傻傻的黑道們殺錯人，互相怪罪而陷入大混戰。老實說，配上整部片保持的壓抑氛圍，非常無聊。
5、基本上，這部就是導演的風格片習作，在調度上的確成功的營造出北歐環境下的靜謐、壓抑，再加上黑色電影的劇本，成了一個意外荒謬的黑色幽默片。雖然影片整體還算完整，但仍舊停在小品的規格，演了快兩個小時實在太多了。
名字怪裡怪氣的Waxahatchee是Katie Crutchfield的化名，年僅26歲的她來自美國阿拉巴馬小鎮。2012年推出處女作《American Weekend》有著濃厚lo-fi風格，輕快的吉他旋律則是她的個人招牌。隔年《Cerulean Salt》加入貝斯與鼓的組合，民謠有了扎實的骨幹，鏗鏘有力地登上各大媒體榜單。經過一年忙碌的巡演後，Katie決定放棄錄音室的高級設備，回到家中DIY錄製新專輯。她認為，當錄音成本不斷增加，錄製歌曲的過程對音樂人而言成了時間與金錢賽跑的心理壓力。為了追求錄音時能夠自在、舒服，Katie在家完成的《Ivy Tripp》，成功帶入更多樂器及更複雜的編曲，同時保留了lo-fi的粗糙感，質樸地傳遞出坦誠真摯的內心獨白。聽《Ivy Tripp》會不自覺的沉浸在舒服輕快的節奏中搖擺，一陣陣厚重的貝斯與大鼓卻從四周襲來，大肆撞擊甜如泡泡糖般的吉他旋律，不僅透露出創作者躁動不安的心情，更令聽眾在紛亂中逼視矛盾的自我。而歌詞內容多描寫年輕人面對愈發疏離的人際關係時，心中不斷承受的孤獨與無奈，如〈Breathless〉帶著低鳴的吉他反饋揭開專輯序幕，Katie劈頭便絕望地喊：「我並不想被看見(but I’m not trying to be seen)」；而最早釋出的單曲〈Air〉則控訴著人際關係裡不平等的對待；〈Less Than〉在行屍走肉般的生活中看盡空虛；簡短的〈Blue〉道出現實麻痺人心的殘酷；末曲〈Bonfire〉滿載轟隆作響的吉他噪音，淹沒世俗紛擾，巧妙地為專輯畫下句號。
作為專輯名稱的「Ivy Tripp」並沒有特別的意思，僅在歌詞中出現，但她深受這樣渺小卻又充滿情趣的詞所吸引。專輯主題也不是個明確的概念，而是一股氛圍。透過整張專輯，Waxahatchee極力呈現當下年輕人對未來的無方向感。深沉地貝斯與大鼓狠狠撞破吉他構築的濃情旋律，將一切音符化為四散的微粒，歌詞字句行間捕捉到生活周遭的孤獨，營造出宛如現實生活的氣氛。唯有當我們離開虛情假意的流行樂泡泡後，才能真正從音樂裡汲取出與現實共存的能量。
《Ivy Tripp》像是Katie寫給年輕人的一封情書，她深知活著的無力與徬徨，同樣厭惡內容空洞的煽情旋律。這張由「真心」組成的專輯，絕對能穿透生存的面具，輕柔撫慰聽者最私密、最脆弱的自我。尤其是深夜，當《Ivy Tripp》響起，世界都暗了下來。我們不必說話，讓音樂為孤獨發聲，聽Waxahatchee娓娓道出年輕人的苦澀。
當年拿下坎城一種注目大獎的《Dogtooth》出自希臘新生代導演Yorgos Lanthimos之手。作為導演的第二部電影，《Dogtooth》講述圍繞著一個無特定時空的中產家庭，父親強勢地控制著三個小孩的成長教育，年齡進入青春期的小孩雖然有著良好的知識水準，但生活卻是相當可怕：在父親的教育下，他們以為家以外的世界非常危險，甚至連小貓都被認定是最恐怖的動物；而母親在家裡的身分與小孩相近，都是父親的教育對象，同樣不敢踏出家門一步。父親甚至找來公司的女性保全，到家裡滿足最小的孩子遇到的生理需求，僵硬的做愛姿勢滿是滑稽。漸漸與家裡小孩熟悉的保全無意的帶入外面世界的東西，讓姐姐對自身處境有了問題意識。雖說如此，在封閉的世界認知下，他所做的好奇與探索都受到父親強權般的壓制，最後姐姐選擇逃離，她逃去哪？這個家又會怎麼轉變？影片結尾看似留給觀眾一個開放式的結局，實則是人人心照不宣的悲劇。
《Dogtooth》創造出一個封閉的故事背景，僅用六個演員、一個家庭便完成整部殘酷、黑色的現代諷刺電影。除了情節有如歪掉的烏托邦故事般荒謬地徹底，在鏡頭語言上也處處顯露導演不凡的調度安排。一般電影強調人的完整性，幾乎不能出現畫面中角色被鏡框切掉，但在這部電影裡，角色幾乎少頭、少身體，甚至僅留下半身，這樣的手法一方面在形式上呼應了角色所代表的缺陷樣貌，另一方面在觀眾的觀感上明顯製造出不人道的態度，一如片中父親對家庭所帶來的拘束一般。此外，本片以遠景畫面為主，至觀眾於旁觀者的心態相當明顯，像在逛動物園般窺視著片中角色所受的磨難與壓抑，偶有的手持鏡頭則配合角色暴躁、倉促的行為，帶來混亂的視覺效果。然而，最有趣的手法在於焦距的運用，片中有幾顆景深的鏡頭裡，焦距刻意聚焦在代表權力象徵的父親上，宛如鏡頭(與觀眾)也向其權力臣服般，視野雖然廣闊明亮，卻又受到宰制而限縮了自由的空間，這樣的手法相當有趣，彷彿將影像裡的權力關係現實化，觀眾的角色淪為一個受壓迫的旁觀者，被迫看盡所有悲劇卻不敢吭聲，這樣的觀影經驗相當有趣。
由於故事裡父親像訓練狗一般對待家中成員，一面滿足其生理需求(如餵食、性)，另一面也透過制約反應，將家庭成員訓練成一個個毫無自主反應、缺乏對環境認知的乖巧動物。而父親不斷教育小孩在這個危險的環境裡，必須要遵從父親的指導，才能時時提升自己的能力，保護自己活下去。最荒謬的莫過於人類本身有的犬齒成了父親權力的最佳證明，孩子滿臉扭曲、像狗一般狂吠著，是人還是動物早已分不清。此外，父親為了控制孩子的思想，對語言的控制更是徹底，當孩子無意間看到父母的A片裡說著「Pussy」，母親對此的解釋竟是「一種強大的光芒」，而孩子從保全那裏聽來「Zombie」一詞也被解釋成「一朵小黃花」。如此錯亂的語言認知為電影帶來奠基在悲劇上的黑色喜感，不但突顯權力滲透的深度與強度，也表現出話語的定義權被控制的慘況。處在這般超現實的語境中，片中角色的對白處處是不合理、不合邏輯，甚至講話的腔調都成了單調、平板的唸白，對觀眾而言是笑話，但對劇中角色卻是無可避免的現實。
從頭封閉到尾的權力壓迫，緊緊扣著如偶戲般的角色步入悲劇。沒有完整的人、沒有完整的世界、沒有正確的人道對待，一切都在權力的控制下扭曲。唯一完整的，是整個權力結構，它清楚明白、毫無疏漏，你看不到它會有瓦解的一天，只能看到一個個生命個體在裡頭困鬥。雖然活著，卻不是人。
